Élisabeth Vigée-Lebrun 1755 - 1842

Nació en la ciudad de París. Fue hija de un retratista del que recibió sus primeras lecciones, aunque ella se benefició más de los consejos de Gabriel François Doyen, Jean-Baptiste Greuze, José Vernet y otros maestros del periodo. Durante su adolescencia, pintaba ya retratos de manera profesional. Cuando su estudio fue embargado por pintar sin licencia, buscó afiliarse a la Académie de Saint Luc, que exhibió su trabajo voluntariamente en su salón. El 25 de octubre de 1774 fue hecha miembro de la Academia Francesa.

 En 1776 contrajo nupcias con Jean-Baptiste-Pierre Lebrun, que era pintor y comerciante de arte. Pintó los retratos de muchos de los miembros de la nobleza francesa y conforme al avance en su carrera, se le invitó a Versalles para pintar a la reina María Antonieta. Quedó la reina tan complacida con el trabajo de Vigée Lebrun, que recibió el encargo de pintar más retratos de ella, así como de los príncipes y de numerosos nobles.

El 31 de mayo de 1783, fue aceptada como miembro de la Académie Royale de Peinture et de Sculpture como pintora de alegoría histórica. Adélaïde Labille-Guiard fue aceptada el mismo día. Los hombres a cargo se opusieron a su admisión argumentando que su esposo era un negociante de arte, pero una orden del Rey fijó la decisión una vez que María Antonieta presionó a su marido en favor de la pintora. La admisión de dos mujeres en mismo día suscitó comparaciones entre ambas en vez de comparaciones entre miembros femeninos y masculinos.

Luego de la detención de la familia real durante la revolución francesa Vigée Lebrun huyó de Francia y vivió y trabajo algunos años en Italia, Austria y Rusia, donde su experiencia en tratar con clientes de la aristocracia le resultó útil. En Roma sus pinturas fueron acogidas con gran aclamación y fue recibida en la Academia di San Luca. En Rusia pintó a numerosos miembros de la familia de Catalina la Grande. Durante su estancia Vigée Lebrun fue hecha miembro de la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo.

Fue bienvenida de vuelta en Francia durante el reinado de emperador Napoleón I. Solicitada por la élite de Europa, viajó a Inglaterra a principios del siglo XIX y pintó los retratos de varios notables británicos incluyendo a Lord Byron. En 1807 viajó a Suiza y fue hecha miembro honorario de la Societe pour l’Avancement des Beaux-Arts de Ginebra.

Vigée Lebrun es considerada la más importante artista del siglo XVIII. Dejo tras de sí 660 retratos y 200 paisajes.

 

      

Riot grrrl (or riot girls)

Es un movimiento punk feminista que se inició a comienzos de 1990 .Las bandas de Riot Grrrl a menudo abordan cuestiones tales como la violación, el abuso doméstico, la sexualidad… Algunas bandas asociadas con el movimiento son: L7, Bikini Kill, Bratmobile, Disculpe 17, Heavens a Betsy, Huggy Bear,Team Dresch, The Breeders… Además de una escena musical, Riot Grrrl es también una subcultura: revistas, arte, acción política, activismo … 

A comienzos del decenio de 1990, muchas mujeres jóvenes que participan en la escena de música ‘underground’ en los Estados Unidos , articulan sus pensamientos y deseos a través del  “Do-It-Yourself”. 

Muchas mujeres pensaban que había poca o ninguna voz en escena, por lo que defienden sus propios intereses, haciendo sus propios fanzines, música y arte. 

La palabra Riot significa disturbios. El uso y significado del término ‘Riot Grrrl’ tiene su origen etimológico en los disturbios raciales de Mount Pleasant ,en la primavera de 1991. 

L7

   

The Breeders

                             

Bikini Kill

          

Bratmobile

                       

Huggy Bear

        

Hannah Höch

Nació en 1889 en Gotha, Alemania. De 1912 a 1914 estudió en el Colegio de Artes y Oficios de Berlín bajo la dirección de Harold Bergen. Estudió diseño en cristal y artes gráficas.Trabajó para la Cruz Roja en 1914, al comienzo de la Primera Guerra Mundial I. En 1915 entró en el Instituto Nacional de Artes y Oficios. También en 1915, comenzó su amistad con Raoul Hausmann, miembro del movimiento Dada en Berlín.

Trabajó en el departamento de artesanía para Ullstein Verlang. De 1926 a 1929 vivió y trabajó en los Países Bajos.Tuvo influyentes amistades a lo largo de los años,como Kurt Schwitters y Piet Mondrian, entre otros. Hausmann junto con Höch, fueron de los primeros pioneros en fotomontaje.

Durante la relación con Hausmann trabajaron más a fondo con el collage.Los dadaístas fueron reacios a incluir a una mujer entre sus filas.Raoul Hausmann incluso sugirió a Höch que conseguiera un trabajo para apoyarle financieramente. 

Höch fue la única mujer entre el grupo Dada de Berlín, aunque también Sophie Täuber, Beatrice Wood, la Baronesa von Freytag-Loringhoven son importantes. 

Ella hece referencia a la hipocresía del Dadá berlinés y a la sociedad en su conjunto en su fotomontaje, Da-Dandy. 

En Verlang,trabajó con las revistas dirigidas a las mujeres, lo que la hace consciente de la diferencia entre las mujeres en los medios de comunicación y la realidad. En sus trabajos refleja la idea de que las mujeres no son vistas como personas completas y tienen poco control sobre sus vidas. 

Sus piezas también comúnmente combinan hombres y mujeres en un solo ser.

 

          

 

Tamara de Lempicka

Nacida el 16 de mayo de 1898,Varsovia, en una adinerada familia donde su padre era un abogado polaco. Asistió a la escuela de Lausana, Suiza, y pasó el invierno de 1911 con su abuela en Italia y la Riviera francesa, donde vió a los grandes maestros de la pintura italiana. En 1912, sus padres se divorciaron y Maria se fue a vivir con su tía Stefa en St. Petersburgo, Rusia.  

En 1916 se casó con Tadeusz Łempicki, un conocido abogado. 

Para su primer gran espectáculo, en Milán en 1925, bajo el patrocinio del conde Emmanuele Castelbarco, pintó 28 nuevas obras en seis meses. Fue una de las retratistas de moda de su generación entre la alta burguesía y aristocracia. 

A través de su red de amigos, pudo mostrar sus cuadros en los salones de elite de la época. Fue criticada y admirada por su reformulación moderna  de Ingres, como se muestra en su grupo de los Cuatro Desnudos, 1925.

En 1929, pintó su emblemática obra “Auto-Retrato (Tamara en el Bugatti Verde) para la portada de la revista de moda alemana Die Dame.

“El autorretrato de Tamara de Lempicka es la imagen de la mujer independiente que se afirma a sí misma con una fría e inquietante belleza”.

Ganó su primer premio en 1927, primer premio en la Exposición Internacional de Bellas Artes de Burdeos, Francia, por su retrato de “Kizette en el balcón”.En 1933 viajó a Chicago donde trabajó con Georgia O’Keeffe, Santiago Martínez Delgado y Willem de Kooning. Su posición social se consolidó cuando se casó con su amante, el barón Kuffner, en 1933.

Además de personajes de la aristocracia,en su arte también figuran unos refugiados y personas comunes, e incluso santos y religiosos.

En 1941 Kizette se va a vivir con su madre. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo. En 1962, muere el barón.

El 18 de marzo de 1980 Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca (México). Kizette, complaciendo el sueño de su madre, acompañada del escultor Víctor Contreras (heredero de gran cantidad de la obra de la pintora), subieron a un helicóptero y fueron a arrojar sus cenizas en el cráter del Popocatépetl.

 

                   

 

FRIDA KAHLO

Nació en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, el 6 de julio de 1907. A pesar de ello, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana: “Nací con la Revolución” , porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la passion.Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.

Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía y la mexicana Matilde Calderón y González, de ascendencia española e indígena católica.

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, la cual empezaba por primera vez a admitir chicas como alumnas. 

El 17 de septiembre de 1925 un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota.

Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: “Las Dos Fridas”. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre. 

En 1953 le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.

Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1854. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.

 

       

 

Louise Bourgeois

Louise Josephine Bourgeois nació en París el 24 de diciembre de 1911.

El jardín de la casa familiar, donde la madre dirigía un taller de restauración de tapices, estaba poblado de estatuas de plomo de los siglos XVII y XVIII que el padre compraba en sus viajes y que requerían tratamientos con los que la niña estaba familiarizada. Además, Louise participaba de todo el trabajo de puesta a punto de las lanas. A los 8, empezó a dibujar pies para los tapices los días que no tenía colegio. Después de la Primera Guerra Mundial, la familia Bourgeois se mudó a París, a orillas del Bièvre.

Después de cursar el liceo, Louise fue a la prestigiosa Escuela del Louvre y también asistió a talleres de artistas reconocidos como Fernand Léger, de modo que su formación –iniciada con las prácticas caseras de remozamiento de tapices y estatuas– resultó muy completa. Una vez recibida, entró a trabajar como docente en el Louvre, donde conoció al norteamericano Robert Goldwater, notable historiador de arte, se casó con él y en 1938 se trasladó a vivir en Nueva York. Ahí fue que le resultó útil el inglés que había aprendido de chica con Sadie, la institutriz que vivía en su casa y se acostaba con su padre, sumiendo a Louise en angustiantes sentimientos de confusión y traición. 

Mi escultura de mármol, Mujer cuchillo, engloba la polaridad de la mujer. ¿Por qué las mujeres se convierten en cuchillos? No nacieron como tales, se las hizo así a través del miedo. En este trabajo, la mujer es una figura defensiva. Para defenderse, se identifica con el pene, trata de tomar la misma arma del agresor. Este es un problema que parte de la infancia y de la falta de una educación razonable y comprensiva. Cuando yo era chica, se hablaba del sexo como de algo peligroso. Es importante mostrar a las chicas”, remarcaba Bourgeois hace 30 años, “que ser sexual es algo natural y que los hombres también pueden sentirse desamparados y vulnerables”.

  

 

 

Meret Oppenheim

6 de octubre de 1913, Berlín-15 de noviembre de 1985, Suiza. Artista surrealista, y fotógrafa. Oppenheim se asocia  con el movimiento Dada, debido a su círculo de amigos. 

Oppenheim viajó a la edad de 18 a París y se matriculó en la Academie de la Grande Chaumiere. Tras reunirse con Alberto Giacometti, Jean Arp, Man Ray  fue invitada por Giacometti y Arp a exponer con los surrealistas en 1933.

Muchas de sus piezas consistían en objetos cotidianos dispuestos de forma que aluden a la sexualidad femenina y la explotación femenina por el sexo opuesto.

“Para las mujeres, las implicaciones son que tienen que vivir su propia vida femenina, así como la vida que los hombres proyectan para ellas. Por lo tanto, son dos veces mujer. Eso es demasiado”. (Meret Oppenheim, 1975)  

“Le Déjeuner en fourrure” (El almuerzo en las pieles) es una taza y un plato que fue comprado en una tienda y forrada posteriormente con la piel de gacela china. El trabajo se aprovecha de las diferencias entre las variedades de placer sensual: la piel puede deleitar el tacto pero repele la lengua. Y una taza y la cuchara, por supuesto, están hechos para ser introducidos en la boca. 

Sus objetos también pueden tener connotaciones sexuales y políticas: tal vez sobre la masculinidad que prevalece en la escultura.

                                                              

 

Barbara Kruger

Artista conceptual Americana,nació en Newark, Nueva Jersey en 1945 y estudió en 1964 en la Universidad de Siracusa. Después de un año se trasladó a Nueva York, donde comenzó a asistir a Parsons School of Design. Estudió con Diane Arbus y Marvin Israel, diseñador gráfico y director de arte de la revista Harper’s Bazaar. 

Después de un año comenzó a trabajar en la revista Mademoiselle, como diseñadora. 

Gran parte de la obra gráfica de Kruger se compone de fotografías en blanco y negro con títulos superpuestos en blanco sobre rojo.

Yuxtapone imágenes con un texto que contiene críticas hacia el sexismo,misoginia y la distribución de poder dentro de las culturas. 

Durante la última década ha creado instalaciones de video y proyecciones envolviendo al espectador con unos mensajes directos. 

En 2005 fue galardonada en la 51 Bienal de Venecia con el “León de Oro” de Lifetime Achievement. Actualmente es profesora en la Universidad de Los Angeles, California.

En 2007, fue una de las artistas que formó parte de la Bienal de Corea del Sur “Incheon Mujeres Artistas”.

             

                                                               

 

Marina Abramović

Nacida el 30 de noviembre 1945 en Belgrado. Artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la “Abuela del arte de la performance”.

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

El abuelo de Marina Abramović fue un patriarca de la Iglesia Ortodoxa Serbia. Tras su muerte, fue proclamado santo, embalsamado, y colocado en la Iglesia de San Sava. Ambos padres fueron partisanos en la Segunda Guerra Mundial ; su padre Vojo fue un comandante aclamado como héroe nacional después de la guerra; su madre Danica fue comandante en la armada, y a mediados de los sesenta fue Directora del Museo de la Revolución y Arte en Belgrado.

EEl padre de Abramović abandonó a la familia en 1964. Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 70. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 75 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad mientras preparaba su primera performance en solitario. En 1976 Abramović dejó Yugoslavia y se fue a Amsterdam.

“Imponderabilia”, 1977,Marina Abramovic y Ulay irritan o ponen a prueba a los visitantes de una exposición cuando se colocan en la entrada y el invitado tiene que frotarse con ellos eligiendo el lado masculino o femenino por donde pasar.

La tensión que juntos crearon con sus performances de resistencia física es una forma de limpieza del cuerpo hasta un punto casi budista de eleminación del propio ser. Esta actitud es compartida hoy por los performanceros chinos contemporáneos. “Grito” (Shout) es el nombre de uno de los performances que exploran la capacidad de la voz. En él, Marina y Ulay se gritan durante 45 minutos hasta perder la voz completamente. Para otros el performance se ha ido a menos desde que las ideas de los artistas fueron secuestradas por producciones tipo Jack Ass de MTV.

 

                

Floria Sigismondi

Nacida en 1965 en Pescara,Italia, es fotógrafa y directora de videos musicales.

Aparte de sus exhibiciones de arte, es más conocida por dirigir videos musicales de Incubus, Interpol, White Stripes, David Bowie, The Cure, Björk, Marilyn Manson. Su tan característico uso de la cámara, notorio desde su video para “The Beautiful People” de Marilyn Manson, ha sido imitado desde entonces por un gran número de directores.

Sus padres, Lina y Domenico Sigismondi, eran cantantes de ópera. Su familia, incluyendo a su hermana Antonella, se trasladaron a Hamilton, Ontario, Canadá,cuando tenía dos años. En su infancia estaba obsesionada con la pintura y el dibujo. Más tarde, en 1987, estudió pintura e ilustración en la Escuela de Arte de Ontario. Cuando tomó un curso de fotografía se graduó con una especialidad en fotografía.

Floria Sigismondi comenzó su carrera como fotógrafa de modas. Comenzó a dirigir videos cuando se involucró con la compañía productora Revolver Films, donde dirigió videos musicales para bandas canadienses. Sus trabajos, innovadores aunque perturbadores, localizados en escenarios que ella misma describió como “inframundos entrópicos habitados por almas torturadas y seres omnipotentes”, atrajo a un número importante de músicos prominentes.

Con sus instalaciones de fotografía y escultura tuvo exhibiciones propias en Hamilton y Toronto (Canadá), Nueva York (Estados Unidos), Brescia (Italia), Göteborg (Suecia) y Londres (Inglaterra). Sus fotografías también fueron incluidas en numerosos grupos de exhibiciones, junto con las de los fotógrafos como Cindy Sherman y Joel-Peter Witkin. La editorial alemana Die Gestalten Verlag ha publicado dos libros sobre su obra fotográfica, Redemption (1999) e Immune (2005).