Ray Caesar

Nació en Londres en 1958.Este genial artista crea imágenes en 3D de criaturas fantásticas en un universo enigmático que sorprenden por su creatividad. La principal influencia de su obra fue el trabajo que desempeñó en el Sick Children Hospital de Canadá, como integrante del departamento de fotografía, durante 17 años. “Un día tenía que tomar imágenes de un chico maltratado y otro de los cables y tubos que mantenían con vida a un recién nacido para crear un diagrama técnico que sirviera como herramienta de enseñanza para las enfermeras– describe el artista-. También podía llegar a trabajar con un neurocirujano para crear una animación de la extracción criogénica de un tumor cerebral. Dejé el trabajo cuando unas imágenes forenses me impresionaron demasiado. Pensaba que lo había visto todo pero esas imágenes me desafiaron para comenzar otro viaje”. Sin embargo aunque los personajes del trabajo actual de Ray Caesar parezcan infantes, él explica que no es así: “No son niños, yo pinto el alma humana. Esa atractiva imagen de la parte oculta de nosotros mismos. Algunos los llamaron fantasmas o espíritus pero yo los veo como el reflejo de lo que realmente somos, con los objetos y contusiones que llenan la vida de cada uno”.Cuando era chico Ray Caesar dibujaba, esculpía en plastilina y usaba papel de estaño para modificar los cuerpos de las muñecas de sus hermanas. En su entrevista con la revista Webesteem Magazine, el artista contó que en un oportunidad usó plastilina gris sobre una pelota de fútbol para crear una “cabeza de Frankestein”. Luego rellenó ropa con papel para agregarle un cuerpo, acostó el muñeco en su cama y salió de su casa. Cuando volvió, su padre estaba furioso con él porque al entrar a la habitación había tenido la impresión de que Ray estaba muerto en su cama. ” Seguí haciendo cosas como esas y 45 años más tarde algunos lo consideran arte – dice Caesar-. Yo todavía no veo lo que hago como arte, simplemente lo veo como lo que me gusta hacer”. Antes de que Caesar comenzara a exponer sus obras en galerías de arte, trabajó haciendo efectos especiales para la productora GVFX, en Toronto. Allí animó personajes para cine y televisión y fue nominado para los premios Emmy, Gemini y Monitor por un show llamado Total Recall 2070 para el que creó vistas aéreas de las ciudades futuristas de Blade Runner, de Philip K. Dick. Actualmente Caesar crea los modelos en 3D a modo de esculturas digitales y luego los colorea usando texturas fotorealistas. Cada modelo está construido sobre un esqueleto invisible que le permite colocar a sus personajes en la posición deseada antes de “retratarlos”. Estos personajes toman formas fantásticas entre delicados y siniestros con una estética que incluye detalles propios de los retratos de la época de la Revolución Francesa, fusionándolos con insectos que le dan un aspecto algo monstruoso. Pero el artista viene creando desde antes de que se popularizaran las PC y tiene obras realizadas a mano en distintos materiales como pintura al óleo, acrílicos, tinta y otros. “Algunas las perdí, otras se destruyeron y otras andan dando vueltas por mi casa. Nunca las quise vender porque son un diario personal o la estructura de los aspectos conscientes y subconscientes de mi vida”. http://www.raycaesar.com

Michel Gondry

Michel Gondry ( Versalles, Francia, 8 de mayo de 1963) es un director de cine, anuncios, y vídeos musicales, destacado por su innovador estilo visual y su manipulación de la puesta en escena. 

Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también baterista. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, con Gondry dirigiendo un total de seis vídeos musicales para Björk. Otros artistas con quien Gondry ha colaborado en más de una ocasión incluyen a The White Stripes, Radiohead, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizado para Levi’s, con el que ganó el Lion D’or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga The Matrix, notablemente en el vídeo Like A Rolling Stone en la versión que la banda británica Rolling Stones hicieron del tema de Bob Dylan y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff.

Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. “Eternal sunshine of the spotless mind (que es también su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman) fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal sunshine of the spotless mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales.

Su hermano Olivier Gondry también es un director de anuncios de televisión y vídeos musicales. 

Michel Gondry se está preparando para dirigir una película de ciencia ficción titulada Master of Space and Time que está basada en una novela escrita por Rudy Rucker que cuenta la historia de dos locos científicos que descubren el método para poder controlar la realidad. Gondry trabajará junto con el escritor e historierista Daniel Clowes quien se va a encargar de escribir el guíon junto con Rudy Rucker, sin embargo, no ha habido avances de dicho proyecto. Se espera que la película se estrene en 2011.

Recientemente se anunció que Gondry dirigirá la película de acción “El Avispón Verde” que esta basada en los cómics de George W. Trendle y que contará con la participación del actor Seth Rogen y Stephen Chow. La película se estrenará en 2010.

+ The White Stripes, “the hardest button to button” - http://www.youtube.com/watch?v=gLESpHrtvxs

+ The Chemical Brothers, “Let forever be” - http://www.youtube.com/watch?v=7z7dbXMPxNI

    

Chris Cunningham

Chris Cunningham es un video-artista fundamentalmente conocido por su trabajo en el área del video musical.

 Chris Cunningham nació en Reading (Inglaterra) en 1970. Desde muy niño se aficionó al dibujo, luego a hacer esculturas, las cuales fotografiaba. Su carrera artística la inició en la revista de cómics 2000AD bajo el pseudónimo de Chris Halls. Posteriormente trabaja en los efectos especiales de películas como Alien 3, Alien: Resurrección y el Juez Dredd. Trabajaría también en las maquetas de films como Hardware y Nightbreed. Estuvo involucrado en el proyecto del film Inteligencia artificial cuando Stanley Kubrick se ocupaba del mismo.

Debutó en el terreno del video musical en 1995, de la mano de Warp Records, con la realización del video promocional de “Second Bad Vibel” (Autechre), y continuó su trabajo con artistas como Squarepusher, Björk, Madonna, Portishead y, sobre todo, Aphex Twin, entre otros. Su segundo video para este músico (“Windowclicker”, 1999) fue censurado por MTV en Estados Unidos. En 2000, por su video para “All Is Full Of Love” (Björk), fue premiado por MTV, en los Music Week CAD Awards, en los MVPA Awards y en los Design And Art Direction Awards. En este último certamen obtuvo, entre otras medallas, una de oro por su dirección en la categoría “Pop Promos”.

Ha realizado comerciales de televisión para marcas internacionales como Nissan o Sony. Entre sus otros trabajos destacan la video-instalación Flex (presentada en ocasión de la exposición “Apocalypse” de la Royal Academy of Arts en 2000) y los cortometrajes Monkey Drummer y Rubber Johnny, todos ellos con música de Aphex Twin. Estas obras son el medio perfecto para que el artista insista en su particular estilo, caracterizado por su retorcida imaginación, su obsesión por las anatomías enfermas, sus sincronizacioness exactas y su particular sentido del humor.

Ha estado tentado de dirigir una adaptación del cómic RanXerox 2: Happy Birthday Lubna de Tanino Liberatore y Stefano Tamburini, la novela cyberpunk Neuromante de William Gibson y la también novela Una mirada a la oscuridad (A Scanner Darkly) de Philip K. Dick (finalmente llevada a la gran pantalla en 2006 por Richard Linklater). En 2003 fue editado el DVD The Work of Director Chris Cunningham, el cual recopila videos musicales, comerciales de televisión y cortometrajes. El DVD es parte de la serie The Work of Director, enfocada al mundo del videoclip y que también incluye trabajos de Spike Jonze, Michel Gondry, Mark Romanek, Jonathan Glazer, Anton Corbijn y Stéphane Sednaoui.

+ Aphex Twin, “Come to Daddy”- http://www.youtube.com/watch?v=5Az_7U0-cK0

+ Björk, “All is full of love” - http://www.youtube.com/watch?v=R1_n8rMLtTc

 

   

Nan Goldin

Nan Goldin es una artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80.

Goldin nace en 1953 en una familia de origen judío en Washington D.C., pero crece entre varias familias adoptivas de distintas ciudades de Nueva Inglaterra, después de que su hermana se suicidara. Poco después, Goldin entra en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. Cuando tiene 15 años, tiene su primer contacto con la fotografía en la escuela; dos años más tarde, cuando empiezan los años 70, Goldin ya aparece como una aspirante a fotógrafa profesional inspirada, según ella misma, “en las imágenes de las revistas de moda”.

Por esa época, Goldin empieza a frecuentar la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones de Massachusetts muy popular entre los homosexuales de la Costa Este estadounidense. Allí, la artista conoce a los que habrían de ser habitantes y protagonistas de sus fotografías durante los siguientes 20 años: Bruce, Sharon, Cookie, Waters…

Poco después, Goldin ingresa en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde se gradúa en 1978. En su promoción también estudian artitas reconocidos como Philip-Lorca diCorcia y David Armstrong, al que había conocido en Satya y que habría de convertirse en uno de los grandes cómplices de Goldin. En esa época, además, la fotógrafa empieza a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash.

Con ese equipaje, Goldin abandona Boston y se establece en el barrio de Bowery, en Manhattan, donde se topa con el estallido del punk y la aparición paralela de decenas de impulsos contraculturales. En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista».

Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: inciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad… Para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografís sucesivamente. La más famosa de ellas se llama La balada de la dependencia sexual (título tomado de una canción de Bertolt Brecht), y ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema.

Tanto es así que, poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, Goldin ingresa en una clínica de desintoxicación, donde sigue trabajando. Allí, el autorretrato se convierte en uno de los temas recurrentes de su obra. Más tarde, la fotógrafa rodaría un documental autobiográfico, I’ll be your mirror, que toma su título de una canción de la Velvet Underground.

Poco después de salir de la clínica, en 1991, Goldin abandona los Estados Unidos y se marcha a Berlín para cuidar de su amigo Alf Bold, enfermo de sida. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, París y Yale, donde es profesora.

   

   

 

Floria Sigismondi

Nacida en 1965 en Pescara,Italia, es fotógrafa y directora de videos musicales.

Aparte de sus exhibiciones de arte, es más conocida por dirigir videos musicales de Incubus, Interpol, White Stripes, David Bowie, The Cure, Björk, Marilyn Manson. Su tan característico uso de la cámara, notorio desde su video para “The Beautiful People” de Marilyn Manson, ha sido imitado desde entonces por un gran número de directores.

Sus padres, Lina y Domenico Sigismondi, eran cantantes de ópera. Su familia, incluyendo a su hermana Antonella, se trasladaron a Hamilton, Ontario, Canadá,cuando tenía dos años. En su infancia estaba obsesionada con la pintura y el dibujo. Más tarde, en 1987, estudió pintura e ilustración en la Escuela de Arte de Ontario. Cuando tomó un curso de fotografía se graduó con una especialidad en fotografía.

Floria Sigismondi comenzó su carrera como fotógrafa de modas. Comenzó a dirigir videos cuando se involucró con la compañía productora Revolver Films, donde dirigió videos musicales para bandas canadienses. Sus trabajos, innovadores aunque perturbadores, localizados en escenarios que ella misma describió como “inframundos entrópicos habitados por almas torturadas y seres omnipotentes”, atrajo a un número importante de músicos prominentes.

Con sus instalaciones de fotografía y escultura tuvo exhibiciones propias en Hamilton y Toronto (Canadá), Nueva York (Estados Unidos), Brescia (Italia), Göteborg (Suecia) y Londres (Inglaterra). Sus fotografías también fueron incluidas en numerosos grupos de exhibiciones, junto con las de los fotógrafos como Cindy Sherman y Joel-Peter Witkin. La editorial alemana Die Gestalten Verlag ha publicado dos libros sobre su obra fotográfica, Redemption (1999) e Immune (2005).

 

                    

Cindy Sherman

Nacida el 19 de enero de 1954 en Glen Ridge, New Jersey. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. En 1995, recibió un premio MacArthur. 

Sherman se interesó en las artes visuales en Buffalo State College, donde empezó a pintar pero pasó el resto de su carrera universitaria centrada en la fotografía. 

Sherman trabaja en serie, por lo general se fotografía a sí misma con gran variedad de trajes y vestimentas.

Por ejemplo, en su histórica serie de 69 fotografías, el “Complete Untitled Film Stills”, (1977-1980) apareció con el estilo de las actrices del cine negro americano. Aunque Sherman no considera su trabajo feminista, muchas de sus series llaman la atención sobre los estereotipos de la mujer en la historia del arte,películas, televisión y revistas. 

En respuesta a los recortes de financiación y los intentos de censurar a los fotógrafos Robert Mapplethorpe y Andrés Serrano, Sherman en 1989 produjo la serie “Sexo”. En estas fotografías figuran unos maniquíes con partes del cuerpo desnudas quedando unas imágenes inquietantes y divertidas. 

En 2006, El Jeu de Paume, museo en París organizó una exposición de las obras de Sherman, “Cindy Sherman: A Retrospective”. Incluyó obras que abarcan 30 años a partir de 1975 a 2005. 

Sherman manipula su propio cuerpo por medio de maquillaje, ropa y partes del cuerpo artificiales, y diversas figuras que ella inventa o re-inventa. 

Lo que surge a través de estas imágenes es un sutil análisis de la identidad individual, tanto las fantasías que genera y las fuerzas que dan forma a la misma. Esta inmersión en la incertidumbre, zonas conflictivas donde la identidad individual, luchas con el imaginario colectivo, los estereotipos y las cuestiones de poder simbólico, puede ser lúdica o de horror y repulsion y hacia la decadencia y desmembramiento del cuerpo.

 

                                       

 

Pipilotti Rist

Elisabeth Charlotte Rist nació en 1962 en Grabs, Sankt Gallen, Suiza. Desde su infancia siempre ha sido llamada Pipilotti. El nombre hace referencia a la novela Pipi Calzaslargas de Astrid Lindgren.

Rist estudió en el Instituto de Artes Aplicadas de Viena, hasta 1986. Posteriormente estudió video en la Escuela de Diseño (Schule für Gestaltung) en Basilea, Suiza. En 1997 su trabajo fue presentado en la Bienal de Venecia, donde fue premiado con el Premio 2000.

Entre 1994 y 1998 fue miembro de la banda y grupo para performances Les Reines Prochaines. En 2002 fue invitada por el profesor Paul McCarthy para impartir clases en la Universidad de los Ángeles (UCLA).

Pipilotti Rist vive actualmente con su compañero Balz Roth, con el que tiene un hijo, Himalaya.

Durante sus estudios, empezó a realizar películas en Super 8. Sus trabajos duran generalmente un par de minutos, alterando colores, velocidad y sonido. Sus trabajos generalmente tratan hechos relacionados con el género, sexualidad y el cuerpo humano.

En contraste con otros muchos artistas conceptuales, sus coloridos y musicales trabajos transmiten una sensación de felicidad y sencillez. Fueron en un principio considerados como obras de crítica feminista. Hoy en día sus trabajos se encuentran en las más importantes colecciones de arte de todo el mundo.

Rist cobró fama gracias a “Pickelporno” (1992), un trabajo sobre el cuerpo femenino, y la excitación sexual. La cámara, con un objetivo de ojo de pez se mueve próxima a los cuerpos de una pareja. Las imágenes están cargadas de colores intensos, para percibirlas de una manera extraña, sensual y ambigua por el espectador.

En “Ever is Over All” (1997) muestra a cámara lenta a una joven que rompe con una flor (de madera/plástico) los cristales de los coches aparcados ayudada por la complicidad de una mujer policía que se acerca y le saluda sin decirle nada al respecto.